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Rome, 24 mai 2014

L'imaginaire de Rodin et le genie de Michelangelo, la manipulation de la matière et le triomphe du marbre.

 


Vient de terminer le 25 mai l'exposition consacrée à Auguste Rodin (Paris 1840 - Meudon 1917). Installée dans les monumentales Classes des Thermes de Dioclétien à Rome, l'exposition promue par la Surintendance pour le Patrimoine Archéologique de Rome et le musée Rodin à Paris , organisée par Aline Magnien, conservateur en chef du patrimoine du musée Rodin à Paris , est présentée comme une des expositions les plus représentatives des œuvres du grand sculpteur français avec ses 60 sculptures exposées. Par le parcours nous sommes arrivés à apprendre les différentes étapes de la vie artistique de Rodin, la période initiale qui voit la mise en œuvre d'une série d'œuvres de facture néo- classiques, la transition vers une vue personnelle de la plasticité de la sculpture, innovanteur, qui arrive à la notion de pas fini si chère à Michelngelo, auquel Rodin regarde avec grand intérêt. La base du travail est la récupération de la tradition qui mène à l'affirmation d'un nouveau concept de la sculpture. Il y a surtout une série de nus où l' eros est idée prédominante, souvenirs de mythes anciens, comme Apollon et Daphné, Icare et l' Aurore, maintenant plus important que jamais comme dans le passé. Le choix de marbre est pondéré. Le marbre évoque le passé et les grands sculpteurs et bien que sa texture est dur et froid est le plus approprié pour représenter le corps humain, le mouvement, la forme torsadé et palpitantel. Ce matériel permet également de jouer avec la lumière et l'ombre, les creux et les saillies. Ça c'est toute la puissance de Rodin et sa révolution, en opposition avec les tendances d'un néoclassicisme qui ressemblait à l'antiquité comme la seule matrice esthétique et formelle.
L'exposition s'ouvre sur le travail par excellence, Le baiser, Paolo et Francesca, les deux adultères mentionnés par Dante dans le cinquième chant de l'Enfer. Impressionnant et séduisant, la sculpture domine l'entrée de la salle de classe. En regardant le groupe de marbre on voit une sensibilité de totalement nouvelle par rapport à l'ère dans laquelle elle a été faite. La sensualité et la nudité sont exposées avec une charge érotique très innovante. C'est incroyable la dimention du travail de manière à rimanerne attiré, malgré nous nous éloignons pour regarder les dizaines de sculptures reposant sur ​​les bancs. Il émerge la conjoction entre l'imaginaire de Rodin et l'influence du génie Michel-Ange, une alchimie exprimée dans la vision et la manipulation de la matière, façonnée par la main habile du sculpteur capable d'extraire des blocs de marbre l'essence vitale des figures, ce qui les rend vivante et vibrante. Rodin regarda les œuvres de Michelangelo, inspiré principalement par les volumes et les formes qui se distinguent dans la Chapelle Sixtine, dans la grande fresque représentant le Jugement Dernier qui le fascinait dès premier moment où il l'avait vu. Rodin joue alors avec la taille de la masse, avec les volumes, et cette fonctionnalité sera également trouvés dans ses œuvres ultérieures, en particulier parce que dés 1894 il sera aidé par Henri Lebossé pour changer l'échelle de son travail.
Rodin ne perçus pas d'abord le consentement des Académies, mais ça n'est pas surprenant. Il semble être le destin commun de grands génies de l'art en tant que de science, être objet de critiques défaitiste. Mais comment est-il juste que soit, il eu le temps pur faire apprécier son art si bien qu'aujourd'hui ses sculptures sont conservées dans un musée à Paris qui porte son nom. L'homme au nez chassé, le portrait de Michelangelo, hommage au grand artiste dont il s'inspire, a été rejeté par le Salon de Paris de 1864. Ce buste ouvre l'exposition, qui comprend la première phase de la vie artistique de Rodin, et est suivi par d'autres sculptures dans le style néo-classique en vogue dans la seconde moitié de 800 en France. On voit de bustes de femmes élégantes, des philosophes ou des sujets mythologiques, comme celui de Diana. Ici le traitement de marbre crée un effet illusionniste par l'attention au détails, plus tard destiné à disparaître, qui tente de reproduire l'apparence de la chair, des vêtements de tissu ou de fleurs ornementales.
Les travaux ultérieurs sont expression d'une matrice totalement différente où la touche personnelle de Rodin apparaît en pleine lumière, avec une série de sculptures qui marquent la croissance du génie. Rodin peut être considéré comme un peintre prêté à la sculpture parce que ses panneaux de marbre créent de tableaux picturales uniques, observables sous différents angles. Chaque figure a un impact fort expressive, la Femme poisson, l'Aurore, Paolo et Francesca dans les nuages. Rodin rend également hommage à son compagnon d'une vie, Rose Beuret avec un magnifique buste qui recrée la douceur de ses traits. Ils ressemblent à des petits piliers de sel, le marbre a un effet de grain rugueux, est la toile de fond de la sculpture elle-même, lisse, lunaire, émerge de la matière comme la nacre ancrée et protégée par la coquille de l'huître.

Et ici nous commençons à parler de l'inachevé, un concept repris par Michelangelo. Beaucoup de œuvres créent un fond et agissent comme une sorte de haut ou bas relief, la figure sculptée semble ébauchée parce qu'elle ne se détache pas de la matière informe dont elle reste partie intégrante, de sorte que le travail est volontairement inachevé. Le sculpteur confond volontiers les traces et crée de limites mal définies entre le travail et la bse en marbre. Au fil du temps, Rodin augmente le rôle de la matière plastique inachevé et l'effet esthétique, soulignant le rejet de tout désir de illusionnisme. Bon exemple les célèbres portraits de Victor Hugo et Puvis de Chavannes, où chaque figure émerge de la masse brute qui apparaît dans toute son volume.
Un autre sujet abordé à plusieurs reprises par l'artiste regard les mains, énormes, gigantesques, tendues ou fuselées, dans l'acte de serrer, de recevoir ou de cacher. Comment les mains d'amateurs , ou le secret. Mais plus que toute autre chose, il faut rappeler La main de Dieu , chef-d'œuvre incontesté , car il conçoit l'absolu et le temps de la création. Sa composition plastique oblige le spectateur à tourner autour de la figure de saisir la plénitude de l'œuvre, les mains qui tiennent la pierre qui renferme les corps, un homme et une femme, Adam et Eve , qui viennent de naître des mains du créateur. Le travail avec le baiser est la plus représentative, car Rodin exprime pleinement son génie artistique
Enfin, avec l'exposition en 1900 de l'Alma, Rodin est acclamé par la critique, le succès et la gloire arrivent. Ses œuvres sont demandées partout dans le monde, afin que ses employés sont engagés à reproduire un nombre considérable de sujets pour satisfaire la clientèle grandissante. Comme la tradition des anciens ateliers du passé, il ya une distinction claire des responsabilités entre la gestation de la conception, qui appartient à l'artiste, et la réalisation proprement dite, déléguée à ses collaborateurs, en charge de reproduire l'idée décrite dans les maquettes. Artistes aussi de grand talent, lils sont cités dans l'exposition car ils ont contribué à créer ces œuvres d'une beauté artistique exceptionnelle désormais célèbre dans le monde entier. Peut-être à mettre en évidence l'idée de l'atelier, les salles de l'exposition semblent un immense laboratoire occupés par de longs bancs en bois sur les quels on a appuyé les blocs de marbre. Je imagine les artisans occupés à sculpter la pierre brute de là, chacun en face de son travail, surveillés par l'œil vigilant du maître, et un martèlement continu et confus. Tout est plongé dans la belle toile de fond de Thermes de Dioclétien, un lieu si cher à Michelangelo qui a créé à l'intérieur le magnifique cloître du monastère des moines chartreux. Tout va à sa place et se réfère à la conjonction des deux grands maîtres, éternelles et inoubliables.


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Robert Capa: 

Chroniques de la guerre sur le sol italien


3 Octobre 2013 au 6 Janvier 2014
Musée de Rome - Palazzo Braschi


Inaugurée le 2 Octobre au Palazzo Braschi en présence des autorités hongroises et le surintendant Capitolina , l'exposition présente pour la première fois en Italie, 78 photographies prises par Robert Capa, né Endre Friedmann, l'un des photographes les plus célèbres du XXe siècle. A cette occasion, nous célébrons un double anniversaire: le centenaire de la naissance du célèbre photographe (né à Budapest en 1913) et les soixante-dix années de le débarquement des troupes anglo-américaines en Italie.
Dans le cadre de l'année culturelle Hongrie - Italie 2013, le gouvernement hongrois a décidé de proposer un sujet unique pour sceller la liaison humaniste entre les deux peuples. Le choix, médité avec l'intention de trouver un point commun avec l' histoire de l'Italie , est tombé sur le travail de la charge d'un artiste que l'humanité et la sensibilité des peuples d' Europe de l'Est. 
Comme l'a souligné le Secrétaire d'Etat adjoint pour les Affaires Economiques du Ministère des Ressources Humaines de la Hongrie Ferenc Elle Batho pendant des siècles il existe une profonde amitié entre les deux peuples qui se propose de renforcer. «Plusiers initiatives se sont produits dans l' exposition culturelle en Italie et ont vu exposer les œuvres de leurs grands artistes modernes et contemporains et aujourd'hui je suis fier de porter à Rome un grand et talentueux artiste de leur terre avec ses photographies de scènes a immortalisé de la vie appartenant à l' histoire italienne.»
Considéré comme le père du photojournalisme, qui a réussi à donner un nouveau look et une direction déterminée, Robert Capa a fondée en 1947 à Paris la Magnum Photos, qui deviendra l'une des plus grandes agences de photos au monde. Capa fut un grand correspondant de guerre. En quarante ans de vie terminée tragiquement en 1954 par l'explosion d' une mine terrestre au Vietnam pendant la Première Guerre d'Indochine, il a immortalisé par ses photographies les moments dramatiques de cinq guerres qui ont ensanglanté les cinquante premières années du dernier siècle. Capa, ou "Shark", un surnom qui lui a été donné par des amis et qui est devenu son nom de guerre, fut toujours à la pointe, vivant parmi les soldats sur le champ de bataille, prêt à saisir avec son objectif l'âme des hommes qui ont participé tragiquement aux atrocités de la guerre; les soldats et les civils, les hommes et les femmes, les personnes âgées et les enfants. Doté d'une personnalité hors du commun, Capa aimait profondément son métier. Photographier le monde était sa raison de vivre. Il était alors un journaliste et un témoin de moments qui se sont écoulés dans l'histoire. Aujourd'hui, nous pouvons regarder ces images comme des fragments d'un miroir dans lequel se reflètent des mondes entiers et les horreurs des guerres qui ont fait rage à travers les cinq continents.
Mais qu'est ce c'est la liaison entre Robert Capa et l'Italie? Il est facile à repondre. Au cours de sa courte vie Capa pris environ soixante-dix photographies de 23 pays qui ont été théâtre de la guerre. Certains d'entre eux, exactement 78, ont été prises sur le sol italien pendant la Seconde Guerre mondiale. En fait , en tant que correspondant de guerre accrédité auprès des troupes américaines, Capa a été tèmoin du débarquement des troupes anglo-américaines à Anzio pour libérer l'Italie des horreurs commises par le nazi -fascisme .
Aujourd'hui, cette réalité si loin prend vie à travers cette très intéressante exposition qui apporte ces images pour etre exposer au Musée de Rome Palazzo Braschi, qui pour l'occasion a enfin ouvert au public après une longue restauration les chambres au deuxième étage, préparées pour l'installation d'expositions temporairesles. Les photographies font partie de la Master Selection, une collection de 957 photos sélectionnées par le frère de Robert Capa, Cornell, avec son biographe Richard Whelan parmi les milliers faites au cours de sa carrière, dont il n'existe que trois exemplaires dans le monde aujourd'hui conservés un à l' International Center of Photography à New York, l'autre au Musée d'art de Tokyo et un troisième au Musée National Hongrois à Budapest. Ce dernier a prêté son exemplair, acheté en 2009 à l' International Center of Photography à New York, pour la préparation de cette importante manifestation organisée par Beatrix Lengyel, siège de la photo historique du Musée National hongrois et qui a vu la participation du Surintendant Capitolina pour le Patrimoine Culturel, du Ministère des Ressources Humaines de Hongrie, de l'Ambassade de Hongrie et de l'Académie Hongroise de Rome. Les photographies seront exposées jusqu'à 6 Janvier 2014.
La guerre vue à travers la lentille d'une caméra, coups de feu qui détiennent des moments passionnants et terrifiants, de joie et de tristesse. Scènes dramatiques de la vie réelle, qui soulignent la ligne fine entre la vie et la mort qui se dessine dans les décombres de l'attentat, dans les désastre des rues, sur le champ de bataille, dans les hôpitaux de fortune campés dans les églises. Images riches d'une profonde humanité qui nous saisit et nous excite parce qu'elle éveille en nous l' horreur de la guerre et la compassion pour les victimes.
Capa a immortalisé l'ascension des parachutistes de la Tunisie à la Sicile, la reddition de Palerme, le siège de Troina , les funérailles d'étudiants à Naples, les difficultés sur le chemin de Monte Cassino, et une Italie dévastée par la Seconde Guerre mondiale, désormais proches de la pauvreté et désespoir, qui accueille joyeusement les troupes anglo-américaines, enfin libre des atrocités nazies. Un plongeon dans l'histoire de notre pays à travers des images en noir et blanc capturée par une lentille, un verre transparent qui reflète les expressions de joie et de douleur des visages marqués par les atrocités de la guerre:  militaires civils , italiens, américains, allemands, victimes et les auteurs active et passive.
Etant photographiés ils sont devenus eux-mêmes sujets inconscients de l'histoire de notre pays. Parce que l'histoire est faite par des hommes, des choses humaines souvent négligées par le dossie , et pas seulement des phrases écrites sur les livres. Donc Capa aussi à travers ses photographies devient partie de notre histoire. C'est ainsi révélé la liaison entre les deux pays qui aujourd'hui avec fierté et émotion introduisent le public à cette grande figure de la culture hongroise .



Shaul Knaz pour la première fois à Rome


L'artiste israélien expose ses peintures à la Galerie Ermanno Tedeschi
dans le cadre pittoresque du Portico d' Ottavia


du 24 Septembre au 31 Octobre , 2013
Shaul Knaz

Roma 24 Septembre 2013, Portico d' Ottavia. Sous le ciel étoilé du quartier historique qui préserve les arômes et l'atmosphère du passé, Ermanno Tedeschi Gallery ouvre la saison avec un personnel dédié à israélien Shaul Knaz. Une vitrine importante qui apporte pour la première fois en Italie les œuvres du maître present à l'inauguration de l'exposition. Le public pourra admirer ette xpositin jusqu'au 31 Octobre .
Né en 1939 au kibboutz Gan Shmuel, en Israël, Shaul Knaz propose sa propre façon de faire de l'art qui résulte d'une longue expérience comme illustrateur et graphiste. Un processus évolutif qui l'a amené à chercher et finalement trouver sonpropre langage expressif, aussi originale que immédiate. Knaz expose une vision personnelle de la réalité qui l'entoure, dans un pays difficile comme Israël, soumis à des tensions sociales et politiques quotidiennes. Le thème central de son travail est la relation difficile entre les gens, le sentiment d'aliénation qui oppose l'individu à la société moderne qui tend à étouffer son essence, son humanité. Dans ses peintures des sujets qui composent l'ensemble sont assemblés au hasard, souvent répétés ou inversés sur un espace qui nie la perspective. Il s'agit donc d'un plat, en deux dimensions. Dans d'autres œuvres, on peut voir comme l'artiste est capable de créer de moderne bas-reliefs à travers l'utilisation du tube de peinture directement sur ​​la toile ou le chevauchement de matière plastique. Les couleurs vives et l'originalité de la composition caractérisent sa singularité en tant qu'artiste.

Je m'approchai de lui tranquillement, je me présente et lui demande une entrevue. Knaz , accompagné de son épouse Hanna, une gentille dame, accepts de répondre à mes questions .

Question ; Quand vous avez commencé votre carrière comme artiste?
Réponse: Je ne sais pas . C'est arrivé. Ce n'était pas le résultat d'une véritable décision . Au départ, j'ai travaillé comme graphiste pour des magazines à Tel Aviv. J'ai fait beaucoup d'illustrations pour des magazines , j'ai aussi fait des dessins et des caricatures politiques, mais au cours des dernières années, j'ai abbandonné ce genre parce que je voulais quelque chose qui était basilaire dans la vie. Les journaux sont maintenant à jour pour aujourd'hui. J'ai donc essayé de développer ma propre façon de faire de l'art. L'essence de mon art repose sur la capacité ou l' incapacité des gens à vivre ensemble. Je pense que dans la vie moderne est beaucoup plus critique à vivre ensemble avec des gens qui communiquent avec le smart phone . Comme vous pouvez voir chaque homme et chaque femme tente de se rendre à l'autre,et pas toujours ca réussit. Néanmoins, ils ne s'arrêtent pas essayer.

Question: Vous vous inspirez de votre émotions, de votre vie en général?
Réponse ; Bien sûr. Comme vous le savez je vis dans un pays très spécial et sous une pression constante. Beaucoup d'entre nous sont impliqués dans les mouvements politiques pour la paix.

Question: Est-ce que vous vivez en Israël?

Réponse: Oui, la situation en Israël apporte son lot de tensions dans la vie quotidienne. Beaucoup de gens essaient de vivre ensemble, de ne pas céder , mais il n'est pas facile dans la vie moderne . Donc, je suis en train de rivaliser avec une situation sans solution. Mais il est intéressant d'essayer d'enregistrer la réalité aussi de cette façon.


Question: Est-ce que vous essayez de glorifier la vie en utilisant la couleur ? Serait-ce une interprétation de votre œuvre ?

Réponse: Je vis une désillusion constructive. Ou disons plutot un pessimisme constructif. Les couleurs font toute la vie autour de moi plus colorée. (jeu de mots). Mais au fond de mon cœur, je suis très pessimiste sur la situation de mon pays, sur les relations entre les gens.

Question: Mais cultivez vous l'espoir?
Réponse: Il faut avoir de l'espoir. Nous devons créer, encourager les gens à réfléchir sur leur vie et essayer de se retrouver d'une manière ou d'une autre .


Question : C'est la première fois que vous venez à Rome ?

Réponse: Dans le passé, nous sommes venus à Rome avec un voyage organisé. Mais aujourd'hui seulemet noul la découvrons vraiment. C'est merveilleux . Et la maison de la culture et de l'art .


Question: Une dernière question. Pouvez-vous me dire quelque chose à propos de votre technique de peinture ?

Réponse: C'est un mélange de matériaux. Couleurs acrylique d'une partie et industrielles dans l'autre. Mais je utilise aussi de peintures à l'huile. J'essaie toujours de trouver de nouvelles couleurs en mélangeant plusieurs palettes.

« Et avec un bon résultat» je conclus. Mon entrevue est terminée. Je remercie l'artiste et sa charmante épouse, et regarde en arrière avec les yeux les peintures. Une exposition très intéressante à tous points de vue.


Mattia Preti : Le Cavalier Calabrese au palais de Venaria Reale


Du 16 mai au 15 Septembre 2013


À l'occasion du quatre centième anniversaire de la naissance, la région de Calabre rend hommage à son compatriote le plus important avec une série de manifestations culturelles. Après l'importante rétrospective au musée de Taverna en Calabre, où le peintre a vu la naissance, maintenant c'est à l'hôte du Piémont dans les salles magnifiques du palais de Venaria exposer les peintures de Mattia Preti. Peintre avec de grandes compétences artistiques, adepte de Caravage à partir de laquelle elle prend le trait clair-obscur, ce qui ajoute touche de couleur des peintres vénitiens, il est né à Taverna, un petit village dans la province de Catanzaro en 1613. Il s'installe à Rome en 1630 par son frère Gregory également un peintre, où il connu un grand succès à la cour du pape Urbain VIII, qui en 1642 l'a nommé Chevalier de l'Obéissance Magistral de l'Ordre de Malte. Depuis lors, son nom sera Calabrese Cavalier. Après une longue période artistique dans la ville éternelle où il a laissé de nombreux témoignages de son art, comme les fresques de l'église de Sant'Andrea della Valle, il s'installe à Naples, où il atteindra sa pleine maturité expressifs produisant travaux de la plus haute importance, et enfin il arrive à Malte, en 1661 et pour 40 années e il travaille pour les patrons de l'île et pour les commissions napolitaine et italienne. Il mourra à La Valette en 1699. L' exposition a été inaugurée à l'occasion de l'ouverture de la foire du livre de Turin, qui, dans cette édition a pour invité d'honneur la région de Calabre, et il est intitulé " Il Cavalier Calabrese Mattia Preti. Entre Caravage et Luca Giordano. 
C'est un événement très important qui pour l'occasion a trouvé une place dans les magnifiques salles de cette belle résidence des Savoyie qui pour l'extension est égal au château de Versailles. Cette importante exposition a été organisée par deux grands experts: Vittorio Sgarbi (commissaire de l'exposition ) et Keith Sciberras, professeur d'histoire de l'art à l'Université de Malte (co-commissaire ). L'exposition se déroule à travers 40 chefs-d'œuvre, soigneusement sélectionnés, présentée conjointement avec d'importantes peintures du Caravage et Luca Giordano qui documentent les sources et les influences de la peinture du Preti . L'exposition est divisée en cinq sections: les musiciens et les joueurs, l'histoires et les émotions, les visages et les protagonistes, la façon triomphante et Héroïnes et Virtue Stoica. On peut admirer de grandes toiles d'intensité spirituelle représentant des scènes religieuses, dans lequel l'artist capte influence de Guercino, tandis que de scènes chorales acclimatés dans les tavernes et les musiciens qui ont cette note d'ombre et de lumière qui rappelle la technique de Caravage dont Preti était un adepte. Il n'est pas fortuit que le chemin s'ouvre avec l'un des plus célèbres œuvres du peintre lombard: "Repos pendant la fuite en Egypte " (1595-1596), provenant de la Galleria Doria Pamphili de Rome. Excellent emplacement pour l'exposition de cette longue série d'œuvres provenant de 25 collections publiques et privées prestigieuses, italiens, maltais et anglais. Un souffle du passé pour récupérer le témoignage artistique du grand peintre baroque.

La reine de l'Art Deco 

à la Pinacothèque de Paris: Tamara de Lempicka


Du 18 Avril au 8 Septembre 2013
Qui mieux que Tamara de Lempicka (1898-1980) a été en mesure de représenter le dynamisme des années folles, chargés de la mondanité et d'expressions culturelles effervescents qui trovent l'espace entre les plis des mouvements cubiste et futuristes? Cette jeune femme a signé les plus grands chefs-d'oeuvre du mouvement artistique appelé Art Déco , qui a su exprimer l'élégance conceptuelle à travers une série de peintures réalisées principalement entre 1925 et 1935. Tamara peint la beauté du monde et de ses protagonistes: les hommes élégants appartenant à la haute société et les femmes raffinées et sensuelles. Mais en même temps, ne dédaigne pas de peindre still life et intérieurs fixes. Ils sont des peinture avec de couleurs vives et métalliques sur le fond de perspectives futuristes comme gratte-ciel à New York se détachant sur le ciel. Femme avec une personnalité forte et indépendante, non conventionnelle, elle même semble dicter les règles du monde qui l'entoure. Dotée d' un destin qui lui a donné une vie intense et écrasante de luxe et de mondanité, s'appuie sur ses expériences personnelles , ses amours clandestines, ses goûts ambigus. 
Elle raconte à travers son art le monde auquel elle appartient. Pourtant, une autre exposition organisée par Gioia Mori, l'expert principal de l'œuvre de l'artiste polonais est affichée dans les chambres de la Pinacothèque de Paris, un nouveau grand complexe d'exposition qui a gagné une place prestigieuse sur la scène culturelle française. Avec la collaboration de Victoria De Lempicka, fille de l'artiste et président du Tamara Art Heritage, et Marilyn Goldberg, president du Museum Masters International, l'exposition a ouvert le 18 Avril 2013, et va terminer le 8 Septembre. Une rétrospective qui contrairement aux précédentes, présentés dans huit villes différentes dont Londres, Vienne, Milan et Rome (au Complesso del Vittoriano ) est enrichie de 23 nouvelles œuvres, dont 18 dessins et cinq toiles, réalisés entre 1923 et 1925 , retrouvées par madame Mori en France. Il y a 107 œuvres présentées au public dans le cadre de cette rétrospective vise à illustrer le mouvement Art Déco à travers la personnalité vibrante de son icône , élevé au rang de reine comme capable de représenter pleinement l'esprit de l'époque.
Qui aurait pu penser aujourd'hui que au début de sa carrière ses œuvres ont été sévèrement critiquée par les plus grands artistes italiens tels que Carlo Carra et Ojetti? C'est principalement ce dernier à écraser l'exposition de Milan de l'artiste à la galerie " Bottega di Poesia " en 1925, avec deux articles publiés dans «L'Ambrosiano» et «il Convegno». Carrà appelle son travail le fruit d' une femme ambitieuse qui avait essentiellement rien de nouveau à offrir que la scène de l'art d'après-guerre. Carra considère son appartenance au sexe féminin un handicap, declarant que seuls les hommes, en vertu d'une sorte de supériorité hypothétique, étaient dignes de sacrifier leur vie à l'art. Une pensée restrictive et misogyne qui, heureusement, n'a pas eu d'influence sur le destin d'un peintre de tels talent. En dépit des prédictions désastreuses Tamara de Lempicka , qui est devenu une légende vivante grace à la reconnaissance internationale de sa vie aventureuse est aujourd'hui célébrée à travers une exposition de ses peintures magnifique . De véritables œuvres d' art qui ont la capacité de susciter le désir de revivre la magie des années vingt, fasciné par la légèreté et vitalité, par une projection dans l'avenir qui appartient seulement aux esprits libres .


Helmut Newton: Big Nudes

Palazzo delle Esposizioni Roma

Le génie de Helmut Newton a eu lieu à Rome au Palais des Expositions avec une monographie dans laquelle sont exposées environ 200 photographies tirées des trois grandes anthologies qui lui ont fait les plus grands fashon designer du XXe siècle. Après le succès de l'exposition consacrée au photographe français Robert Doisneau, l'importante emplacement romain accueille un autre joueur international de l'art photographique. L'exposition a lieu au deuxième étage de l'immeuble, mais nous ne sommes pas autorisés à monter le grand escalier monumental car il est en train de préparer une nouvelle production. Nous arrivons ainsi au deuxième étage avec un ascenseur. Et maintenant, nous sommes pris par la sensualité des modèles disruptifs immortalisés par les photos indiscrètes de Newton. Les murs de la loggia donnant sur le hall central sont couverts d'affiches en noir et blanc où le nu féminin est le protagoniste absolu. C'est curiex la combinaison de sujets de la même façon et la version nue, où l'emplacement en dépit d'être identiques (en face d'une voiture, un escalier, sur un canapé ou dans un petit jardin ) voit le modèle désormais entièrement habillé et dans l'autre dépeint dans la pose identique mais complètement déshabillée. 
Nous procédons le tour. Les photos extraites des trois principaux anthologie publiée sur papier, White Women, Sleepless Nights e Big Nudes, sont affichés sur les murs de couleur fuchsia et turquoise. Une combinaison de couleurs efficace qui tourne sur des photographies en noir et blanc faisant ressortir la profondeur de l'image. Les modèles avec des formes parfaites se prêtent à donner vie aux fantasmes interdits du photograph, projeté dans l'intimité et souvent in locations raffinées, comme Villa d'Este Paris, Manhattan. Séquences capturées pendant la durée de vie carrière professionnel du photographe, dont beaucoup ont été publiés par les grands magazines de mode internationaux tels que Vogue et Vanity Fair . D'autres appartiennent aux archives personnelles du photographe Helmut Newton aujourd'hui propriété de la Helmut Newton Fundation de Berlin qui a aidé à organiser l'exposition. Le premier impact est un peu fort et immédiat. Semi- nudité et transparents s'alternent avec des sujets complètement dépouillés, qui expriment un érotisme raffiné parfois morbide. Mais il ne faut pas oublier que c'est Newton qui a introduit le nu dans la dimension de la mode. En regardant les photographies est naturel de se demander si c'est une apothéose de la beauté du corps féminin, une exaltation qui réduit malheureusement les femmes à une simple exposition d'objets, une coquille sans âme ou la pensée. Pas pour rien dans quelques séances photos Newton approches les mannequins parfaitement constituées et habillé, boîtiers en plastique des traits humains et des proportions parfaites qui confondent l'œil. Newton traverse la mesure apportant son art à la limite de la provocation rapport aux paramètres établis par la décence publique . À mon avis un peu trop . Videz la femme de la réserve naturelle qui la rend mystérieux et inaccessible aux yeux du monde. Mais Newton aime certainement provoquer et ça se révèle pleinement et sans réserve. Ainsi nous voyons scènes saphiques, triangles érotiques ou même mis en scène des crimes dans lesquels la beauté d'une femme accable la victime. Nudité, transparents, dans certains jeux, il fait même endosser à ses modèles de petits prothèses couvrant les arts blessés ou convalescents. Mais Newton est un artiste. Grâce à la photographie il exprime la conception de la scène immortalisée, une espace pensée décidément en amont. Ce ne sont pas de scènes volées à la vie quotidienne ou dans son temps libre pour échapper à l'ennui mais le résultat d'un grand professionnalisme. Le talent du photographe se concentre sur le sujet qui se dégage de l'arrière-plan avec sa sensualité exubérante. L'érotisme extrême est toujours raffiné, peut-être parce que la beauté n'est jamais vulgaire quand est exprimés en tant que concept. Le corps parle sa langue, de lui-même et de son être au-delà de la pensée et des mots. Pour paraphraser le titre du film «rien sous la robe " et le réfutant, nous pouvons dire que dans ce cas le corps a plus de valeur et d'expressivité que la robe qu'il porte.

Robert Doisneau: Paris en liberté



 Une carrière construite au fil du temps, à travers des centaines de photographies qui l'ont rendu célèbre dans le monde entier et qu' aujourd'hui sont considérées comme des œuvres d'art.  On peut les trouver dans les antholgies et dans les grandes collections, conservées dans les musées  internationaux les plus prestigieux. Robert Doisneau est considéré comme l'un des plus grands photographes français. Et c'était sa chère Paris à décréter son succès. A l'occasion du centenaire de sa naissance a étée mis en place une rétrospective fascinante qui rassemble plus de 200 photographies, prises par Doisneau entre 1934 et 1991, qui  soulignent le profond lien de l'artiste à sa ville. Après avoir étée présentée à Paris à l'Hôtel de Ville, au Japon Mitsukoshy Isetan de Tokyo et à Kyoto,  arrive enfin à Rome, au Palais des Expositions, où on pourra l'admirer jusqu'au 3 Février 2013.L'exposition célèbre la forte relation entre Doisneau et Paris à travers une longue tournée virtuelle des images volées de la vie quotidienne. Prise de vue en noir et blanc, ce qui donne la patine du vieux mais qui produit au même temps un effet de réalité indissoluble. La couleur est interdite. Les sujets émergent forte, ce qui conduit à des images floues. Ils prennent vie, deviennent les protagonistes de ces moments fugaces.  Doisneau photoghaphes Paris et  ses habitants. Un aperçu de la vie réelle, regardes pris dans les quartiers, dans les marchés, dans les rues, dans le métro.  Femmes maquillées, jeunes et vieux représentés dans leurs occupations habituelles, ou pendant ils se promenent le long des boulevards,. On peut admirer des enfants qui jouent, des musiciens de rue qui utilisent leur art avec une monnaie d'échange. Doisneau capture le regard dur de la concierge surprise par lle dèclit de l'appareil photographique,  capture l'homme en face de l'étalage des livres sur le quai, participe à des danses chahuteurs des jeunes non conventionnelles, surprende les femmes  souriant, assises au bistrot. Les animaux domestiques sont également les sujets bienvenus à l'artiste. Les petits oiseaux en cage, les chiens en laisse que remuer la queue pour le propriétaire, chats  immortalisé sur les toits, qui, comme de gardiens solitaire et attentifs, surveillent dans la nuit ,les eaux de la Seine. Et les baisers. Combien de baisers Doisneau a immortalisé avec son objectif. Moments tendres et passionnés, images intimes d'amoureux heureux de se retrouver dans les rues de la ville, ou étreignant sur un banc, en ignorant les regards curieux des passants. Paris semble imprégnée de la douce mélancolie qui rappelle les films de Jean Gabin et Jean-Paul Belmondo, aux ambiance feutrée et silencieuse. Romantique comme Paris apparait dans notre imagination, accompagné par les verses douces de "vie en rose". Rien n'échappe à l'œil vigilant du photographe qui scelle moments apparemment banales de la vie, mais visuellement frappantes aussi rapides comme de coups de pinceau énergiques sur la toile ou de versets doux qui en quelques lignes communiquent une grande émotion. Paris se révèle  triste et silencieuse, où même les cris des marchands ambulants et des enfants sont en sommeil. Mais bien que les photographies absorbent et amortent le bruit de leurs cris de joie, les images rappellent inaltérés aux spectateur les émotions des personnes, faisant nous rêver.

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